The Living Water

Fotografía, grabado y bordado
detalle del proyecto

100 x 70 cm. c.u.
2018

Exposición en el Museo Provincial de Lugo
eu, ti, elas, nosoutras, nós+outrxs en rede Del 1 de febrero al 1 de abril de 2018



THE LIVING WATER EDITION DE ANA DMATOS:
¿PUEDE LA MIRADA DE LA MUJER CAMBIAR EL MUNDO?

Joana Baygual


El proyecto que presenta Ana DMatos, The Living Water Edition, en el Museo Provincial de Lugo, dentro de la exposición Eu.., ti… , elas…, nosoutras, nosoutrxs en Rede, es una pequeñísima parte de un proyecto de vida que la artista ha venido haciendo y configurando estos últimos 10 años.
Es un proyecto con muchas lecturas, extenso y dilatado, y que, una pequeña parte, la sintetiza en lo que presenta en Lugo, su ciudad natal.
Como artista multidisciplinar que es, en este caso utiliza los medios que mejor se le adecuan a lo que le interesa expresar, como son la fotografía, el bordado y el texto directamente “dibujado” sobre el papel, mediante calcografía.
Tres fotografías de mujeres hindúes, que realizan las tareas de lavado de la ropa en la orilla de un río. Unas mujeres que pertenecen a las castas más bajas del escalafón social. Poseen el doble estigma de pertenecer a la clase más humilde y ser mujeres. Y dos fragmentos de “The grass is really like me”, de la poetisa feminista paquistaní, Kishwar Naheed. Una bella poesía que habla de la mujer como hierba rebelde que no se somete a la disciplina del cortacésped que la quiere dominar y moldear a su antojo.
Aplicadas por encima, bordadas en plata, dos figuras de las utilizadas en los kolams hindús representando una flor y una trenza.
Los Kolams son unos dibujos que las mujeres realizan cada mañana en algunos lugares de la India para dar la bienvenida a lxs que lxs visitan y para alejar a los malos espíritus. Aquí, Ana nos da la bienvenida a nosotrxs para introducirnos en ese mundo desconocido de esas mujeres representadas y en su cultura, tan opuesta y diferente a la nuestra.
Es un proyecto que parte de sus viajes por países exóticos, lejanos, India, China, Japón, Myanmar, etc en una búsqueda de una belleza
interior y anímica, y de la propia identidad pero también la raíz de nuestra sociedad y de la naturaleza humana, siempre centrada en el rol y el papel de la mujer en el mundo.
Ana se pregunta por las razones por las que el mundo globalizado sigue permitiendo las desigualdades e injusticias, y busca poner en evidencia lo que ve, a partir de su mirada sensible y crítica, nunca olvidando la belleza y la poesía.
La obra de Ana DMatos nos habla de esa belleza que no percibimos, esa belleza que sentimos y que no tenemos palabras para describir. Una belleza fuera de los cánones estéticos, hegemónicamente preestablecidos, asumidos por la tradición y por la cultura heteropatriarcal. Para ello prescinde de los atributos sensibles que nos precisan lo que es bello o lo que no es bello, para que busquemos más allá de nosotras, dentro de las emociones. Los sugestivos colores de las vestimentas de las mujeres o de los kolams, los deja de lado para mostrarnos la esencia que pervive bajo esas huellas sensibles, en un ejercicio de abstracción interior a nosotras mismas.
En palabras de Ana “Pero, ¿ y la belleza del alma, esa belleza reticular que nos une, que es más profunda y menos evidente, belleza que no es concreta ni normativa?¿Cómo representar todo eso? Creo que la poesía, la abstracción del bordado y el silencio de las imágenes ( silencio por ausencia del color real y silencio en la congelación del movimiento…) podrían ayudar a trascender eso bello masculino a belleza en femenino, si es posible definirlo así, sin caer en los tópicos y hablar de una belleza más allá de la norma…”.
En este proyecto Ana DMatos abre un canal de comunicación para el entendimiento entre las mujeres y busca establecer unos lazos y abrazos de sororidad comunes y valientes entre todas las mujeres de este mundo, sin fronteras culturales ni sociales. Una bellísima Utopía por la que soñar con cambiar nuestro mundo. ¿Puede la mirada de la mujer cambiar el mundo?

Publicado en la Revista m-arteyculturavisual clicar aquí para ver todo el contenido





Mi artículo sobre la totalidad de los proyectos:


EU COMO PUNTO DE PARTIDA


La exposición Eu… Ti… Elas…Nosoutras, Nosoutrxs en Rede1, comisariada por Encarna Lago y Antonio Reigosa para la red museística provincial lucense, reúne a diferentes artistas que abordan el arte desde las perspectivas femenina y feminista. La exhibición muestra proyectos de vida, a diferencia de las exposiciones colectivas tradicionales. Se ha repartido por toda la red museística provincial lucense: Museo Provincial de Lugo, Pazo de Tor, Museo Fortaleza de San Paio de Narla y Museo del Mar. La conforman 10 proyectos de las artistas Mónica Alonso, Carmen Chacón, Luz Darriba, María Xosé Domínguez, Basilisa Fiestras, Mery Pais, Carmen Porteiro, Rubén Pérez Pombo, Tamara Wassaf y yo misma. Más dos muestras expositivas: WILPF, Liga Internacional de Mujeres por la Paz y la Libertad, que es una muestra gráfica compuesta por 46 carteles que recogen acciones y momentos de esta asociación. Y Arte en reserva, exposición que irá mostrando las obras de 50 mujeres que se encuentran en los almacenes del museo. Bajo el título general de la exposición también se acoge el proyecto de danza, Entre Maruja e máis eu2, de Cris Vilariño que trabaja junto al músico Vadim Yukhnevich. Una relación entre el cuerpo y la pintura de Maruja Mallo, que se desarrolla con la participación del público y del alumnado del Conservatorio de Danza.

Mónica Alonso nos presenta su proyecto Percepción cromática en mulleres de diferentes culturas, aplicación a grupos culturais e sociais de Lugo3. En él trata, como bien dice ella, de “medir lo difícilmente medible”. Esto es, calcular la percepción espacial y cromática en el ser humano. El proyecto que empezó en 2013 tiene dos objetivos. El primero es obtener datos propios, sin tomar prestados los de otros autores. Para ello se sirve del diseño de un cuestionario y del procesamiento de datos, que dan como resultado diferentes gráficas de color, que en la exposición se muestran como ‘un objeto artístico’ . En segundo lugar, busca la interpretación de los perfiles con colores y perfiles de personas, junto a obtener datos estadísticos de variables emocionales. Como ejemplo se puede decir que “el amor es rojo, el infinito blanco o la tristeza gris”, tras la realización de preguntas, aplicación de los cuestionarios y procesamiento de la información. Pero en un futuro se podrán establecer relaciones más complejas como “mujer triste, mujer con tristeza infinita, mujer viva triste, mujer feliz,…” etc. Este trabajo de investigación se ha realizado en El Cairo, Méjico y Lugo. Se han encuestado a 80, 75 y 100 mujeres, respectivamente. El proyecto también busca obtener datos estadísticos sobre distintos grupos culturales, mujeres musulmanas, mujeres gitanas y mujeres víctimas de la violencia de género, todo ello en proceso.

Luz Darriba en su obra As santas migrantas4, hace un homenaje a todas las mujeres que emigraron. También ella está presente en las voces de algunos textos. Sobrecogen algunos por la crudeza de los hechos. En otros escritos los deseos se deshojan como margaritas, mientras el tiempo va arrugando la piel, aproxima la muerte y recorta la esperanza. La obra expresa el sentimiento de extranjería, cómo convivir con otro idioma, en un lugar que no te pertenece y que no te acoge, donde los otros parecen incapaces de ver en la diferencia un abanico de posibilidades, para el diálogo y el aprendizaje. Todo el conjunto de esta obra es un cuerpo doliente, que al visibilizarlo deja en evidencia el miedo a lo ignoto y la realidad, la alegría de lo nuevo, junto a una profunda tristeza por el abandono de la familia. La obra también es una travesía por la vida llena de preguntas y de emociones. Sus caras se intercalan con los textos, unidos por una trama de hilos. Los centenares de pequeños retratos de carnet recuerdan la juventud y la alegría de aquellas jóvenes, sonrientes, guapas, aventureras, mujeres enfrentadas a la incertidumbre por necesidad. El tipo de representación acerca hasta tal punto a los personajes que no nos es difícil ponernos en la piel de la niña que calzaba unos zapatos prestados para la travesía, y se preguntaba cuando podría devolver. Porque al recorrer los varios metros que componen la instalación de Luz, nos damos cuenta que no los devolveremos nunca.

Sin duda la fotografía tiene el poder de congelar el momento y mostrarnos el pasado como si estuviera vivo. Un privilegio que a veces recuerda lo sombrío cuando conecta dos tiempos imposibles. Además, se dirige a un inconsciente colectivo tan silencioso como presente. De ahí, que el proyecto de María Xosé Domínguez en su obra Pegadas dun compromiso5 sea tan valiente al comenzarlo por las fotos familiares de mujeres en el día de su boda. Maria Xosé queda atrapada sus circunstancias y los silencios, y comienza un ejercicio de recuperación de la memoria para descubrir quienes fueron, qué les ocurrió y cómo fueron sus vidas. También se interroga por el significado del matrimonio en los distintos momentos temporales y lo confronta con su mirada feminista. Esas fotografías, ampliadas a tamaño real, se exponen en un espacio circular. Todas las mujeres miran hacia el punto medio donde se sitúa el espectador. Y el diálogo, entre ellas y nosotras, queda cercado por las frases proyectadas en el suelo. Frases que remiten al estereotipo social de la mujer virgen, sufrida, sumisa, dependiente del varón. Aquellas mujeres se retrataron en el día ‘más importante de sus vidas’. Unas celebraron una amable fiesta, mientras que otras firmaron por poderes en un aséptico lugar . Muchas fueron aceptadas por la familia. Pero otras fueron repudiadas y excluidas, enmudecidas por su inaceptable boda con embarazo. Unas fueron de blanco, otras de negro, unas con traje de calle, otras, con vestidos largos, pomposos y adornados. Todas sonríen en sus nuevos roles de esposas. Como si el matrimonio fuera la meta alcanzada. La dudosa importancia de cómo una mujer ha de prepararse para lo que va a ser su razón de vida traza extraños esquemas, lúgubres comportamientos, hurañas rutas sociales, que se repiten formando parte de un inconsciente colectivo, que solo desde una perspectiva independiente pueden llegar a superarse. De ahí, que María Xosé en este proyecto haga un rescate moral y emocional de ellas, rompiendo el silencio familiar y el estigma, preguntándose, preguntándonos, desde una perspectiva feminista, quienes somos.

Carmen chacón también ha trabajado sobre una historia real. En este caso, la que narra Isabel Argentina Álvarez Morán en su “Memorias de una niña de la guerra”. El libro la dejó impresionada por el modo de describir la ausencia de amor, los castigos del padre o la muerte de su hija, narrados con la suficiente distancia para alejar el dolor. Sin embargo, Carmen se rebela a tratar esa historia como soportable, asumible o insignificante, porque no lo fue. Y lo hace visibilizando los abusos, el maltrato físico y psíquico, a través de sus dibujos e instalaciones, que reúne bajo el título Isabel. Leningrado 1940. En ellas deja constancia del daño y la fragilidad de las emociones. Este reconocimiento es el primer paso para poder cambiar nuestras circunstancias y nuestra identidad. Porque como bien señaló Gustav Jung, cita que recoge la autora, ” Yo no soy lo que me sucedió. Yo soy lo que elegí ser”.

Carmen Porteiro expone Conexiones (en serie). Son fotografías que delimitan un espacio crítico y fronterizo. Su planteamiento técnico es sencillo. Una mitad de la foto es desdoblada mediante el efecto óptico del espejo. Es decir, una parte de la realidad se proyecta en la otra mitad del plano, dejando unidas algunas partes de los objetos. De esta manera, consigue una simetría perfecta. Pero también sugiere un tipo de hiperconexiones humanas en red. No solo porque en las fotos haya redes y cables sino por el tratamiento fotográfico, la forma en la que concibe el espacio y los recortes de la imagen. En el mensaje los sujetos se diluyen o se vuelven borrosos, licuándose. Carmen ha transformado los espacios en lugares impensables, inexistentes, superficiales y ficticios. ¿Somos impensables, inexistentes, superficiales y ficticios? ¿Cómo podemos superar esa barrera de la hiperconectividad e hiperconexión de las redes? La pista para asir ese yo está en el propio mensaje y en la voluntad del observador, que nos recuerda que somos individuos observados y observables de una sociedad distópica.

Otro nivel de comunicación propuesto es el de Mery Pais. Ella misma en su video narra su experiencia como artista y pedagoga, bajo el título de trans (cender) (mitir) (formar). En este CV visual intercala algunas de sus obras, en las que da voz a las mujeres musulmanas de su entorno en Marruecos. Y permite, al mismo tiempo, visivilizar el trabajo pedagógico, que desarrolla en la Red Museística de Lugo y en Marruecos.

También destaca el carácter pedagógico en la obra de Rubén Pérez Pombo en su performance y vídeo Frío: somos inuits?. Rubén se dirige al espectador y nos pregunta por la marginación, por la muerte de los que cruzan el estrecho, por el sufrimiento de la desolación y la agonía de los que mueren ahogados y congelados. La performance se desdobla en un vídeo en donde Rubén expone su cuerpo al frío y se adentra en el mar. Dice ser inuk. Pero temblando nos pregunta si también somos nosotros inuit, capaces de soportar ese dolor. El individuo no es una estadística. Pero para los Estados somos solo cifras. Se cuentan con números los cuerpos. De ahí, que esa conciencia del frío, del desamparo y de la muerte, que transmite este proyecto termine por calar en el espectador, dejándonos expuestos a nuestro silencio y pasividad, como si ese no hacer nada fuera la boca abierta de la muerte, un vaho capaz de matar nuestra humanidad, en medio de ese mar gélido y voraz.

El proyecto de Basilisa Fiestras , Marco, elemento e soporte6, trata del cuerpo desde el punto de vista de lo temporal, de la conducta y de la vivencia. Su proyecto muestra dos tipos de trabajos, aquellos en los que utiliza la indumentaria para recubrir el cuerpo y, aquellos otros en los que utiliza fragmentos del cuerpo para crear geometrías que se expanden. En el primero rescata el cuerpo señalando su fragilidad y posibles cambios. Lo experimenta tejiendo con materiales diversos, permanentes o efímeros, en los que la referencia de uso genera varios significados. Piedras y tejidos, pastillas de goma ensartadas y transformadas en vestido, partes del cuerpo tratadas como meros elementos de composición, que nos recuerda que la indumentaria puede ser paisaje, remitir al mundo de la infancia, pero también contener una carga simbólica y ser un lenguaje abierto. Nos pregunta. ¿Qué arrastro tan pesado de lo que debería liberarme? ¿Se trata de un peso social o meramente conceptual? ¿Cuanto pesa nuestro imaginario de deseos? En otra de sus obras sitúa un montón de casitas sobre los hombros. ¿Son los espacios que hemos habitado? ¿Son hogares que nos abrazan? ¿Son generadores de conflictos? Cuerpo, accesorio, indumentaria, habitaciones, fragmentos que se multiplican, como si esas construcciones fueran el hábitat de las ideas, del tiempo, de los límites, del adorno, el juego de los materiales, el mensaje dentro de un cuerpo dividido y ausente.

El proyecto de Tamara Wassaf, Fragilidad Suspendida, traza los imaginarios nostálgicos de mujeres anónimas. Se trata de la representación de un hallazgo que relaciona con el universo femenino, y que remite a las mujeres de su familia en Argentina. Así, un accidente fortuito, como fue el descubrir en una casa abandonada una serie de tejidos nuevos, que habían sido guardados sin uso, en la espera de alguna coyuntura especial que nunca ocurrió, da vida a su proyecto. La apropiación y recuperación que hace de ese material en forma corpórea, sugiere unas veces que el cuerpo no existe. En algunas otras imágenes nos lo presenta fragmentado con trozos de esa envoltura, como si el motivo floral dejara de ser elemento decorativo, para convertirse en sujeto representado, que forma parte del cuerpo. Los paños de otra época con motivos florales terminan por recrear un espacio intimista. Son paisajes de un cuerpo sugerido y son fracciones del cuerpo, que persiguen las huellas de una mujer desconocida.

Por ultimo señalar que mi proyecto The Living Water7 trata sobre la globalización, entendido como un proceso de interrelación, apoyo y comprensión cultural. Con este sentido he unido, para esta presentación, las fotografías de algunas mujeres indias lavando, la poesía feminista de la pakistaní Kishwar Naheed, que he escrito con la técnica del grabado sobre papel, y sobre él, he bordado con hilo de plata dos kolams, con el propósito de dar la bienvenida e introducir al espectador en la cultura india. El conjunto trata de crear un tipo de belleza que acerque el mundo de las retratadas y de su cultura a la nuestra, entendiendo que esta experiencia estética es solo posible en la interconexión, lo multicultural y en la integración profunda de nuestras realidades diversas.

El conjunto de proyectos tratan, desde distintas perspectivas, de dialogar socialmente sin olvidar el referente Eu. Un yo que proyecta un número no finito de deseos, impulsos y necesidades. Un yo portador de conocimiento, expansivo y comunicativo. Un yo que anuncia una multiplicidad de posibilidades y diferencias. Una suma de individualidades que agrupadas alcanzan una mayor energía y sororidad. Esa idea del yo expandido está en el origen de la muestra: yo contigo soy más y, nosotras con vosotras más grandes, y todas juntas aún mas fuertes. Así, la unión de todos los proyectos se comportan como un objetivo que crea una energía vital. Somos mujeres portadoras de vida. Pero también generadoras de agujeros negros, para comenzar una cuenta atrás, que arrastre a la nada los conceptos sociales impuestos y los estereotipos que nos impiden el crecimiento personal. Somos una de las dos partes de un cuerpo social que es incapaz de mover por si mismo su otra mitad. Por ello, no se trata de redefinir los esquemas habituales del arte ni de hablar de nuevos conceptos. Se trata de entender que estamos en presencia de una nueva magnitud, que no puede ser silenciada, marginada, excluida o expulsada por su diferencia. Esta exposición Eu… Ti… Elas…Nosoutras, Nosoutrxs en Rede es la respuesta positiva al rancio sistema político institucional en el mundo del arte, arriesgando, aprendiendo, revelando el conocimiento de sus mujeres artistas.

Ana DMatos

Lugo, 2018



NOTAS
1.Yo…Tú…Ellas…Nosotras, Nosotrxs en Red
2.Entre Maruja y yo
3.Percepción cromática en mujeres de diferentes culturas, aplicación en grupos culturales y sociales de Lugo
4.Las santas migrantas. As santas migrantas es un juego de palabras para la rima, en lugar de migrantes.
5.Huellas de un compromiso
6.Marco, elemento y soporte
7.V. en Baygual, Juana : The Living Water Edition de Ana DMatos: ¿Puede la mirada de la mujer cambiar el mundo? http://www.m-arteyculturavisual.com/2018/02/06/the-living-water-edition-de-ana-dmatos/


Publicado en la Revista m-arteyculturavisual clicar aquí para ver todo el contenido

Información del museo Eu… ti… elas… nosoutras, nosoutrxs en rede, Museo Provincial de Lugo